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沈阳乐团―中央音乐学院乐队学院
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交响乐离我们的生活并不远

时间:2017-3-10

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       交响乐,也称交响曲,既可以指具有奏鸣曲式特点的一种大型器乐体裁,也可以认为是管弦乐队演出体裁的总称。
       交响曲在希腊原文(Symphnia)的意思是“一齐响”,也就是和谐的音响同时发声的意思。规范的交响曲体裁是由17世纪末意大利歌剧中的序曲演变而成的,慢慢地,序曲逐渐脱离了歌剧,发展成一种独立的音乐会作品。18世纪以后,曼亥姆乐派的代表作曲家约斯塔米茨(1717-1757)把交响曲扩大成为四个乐章,形成了交响曲的雏形,对欧洲管弦乐发展起到了重要作用。之后,维也纳古典乐派海顿、莫扎特、贝多芬三位大师,创作了大量优秀的传世佳作,使交响曲的结构形式走向成熟,他们的创作在欧洲乃至世界音乐史上产生了深远的影响,使交响曲成为了器乐创作中最重要的一种体裁形式。

                                                                         

       交响曲一般分为几个类型,常见的有四种――
       以描写自然风光为主要内容的“交响音画”,比如俄国作曲家穆索尔斯基的《展览会中的图画》,法国作曲家德彪西的《大海》等。聆听这类作品的时候可以尽情发挥想象力,感受乐曲的美妙。
被称为“舞曲”的一类作品,节奏明快,往往有着浓郁的民族风格,比如法国作曲家拉威尔的《波莱罗舞曲》,勃拉姆斯的《匈牙利舞曲》,我国的《瑶族舞曲》等。这类作品的情感内涵较为简单、通俗,着重表达的是一种情绪和气氛。
       还有一种交响曲是带有一定的故事情节,一般均有标题,比如法国作曲家比才的《卡门组曲》,我国的小提琴协奏曲《梁祝》。这类作品往往是根据小说或戏剧而创作的,表达人物细致的内心情感,需要听众用心地去欣赏和感受。
       交响曲中,还有一种无标题音乐,不描写任何具体的事物或情景,但却表达着细致、复杂、深刻的情感,比如贝多芬《第五“命运”交响曲》,柴可夫斯基《第六“悲怆”交响曲》,这些标题并不是作曲家自己写的,而是后人为他们加上的。这类作品是交响曲中的重磅之作,有着一定的思想性,欣赏这类作品,需要对它的创作背景有一定的了解,才能真正体会出作品所要表达的情感内涵。

                                                           

       尽管交响乐进入中国已经百年,还总被人们习惯性地贴上“严肃音乐”、“阳春白雪”的标签。常听到有人说:“高雅音乐太深奥了,我听不太懂。”虽然喜欢古典音乐的人在逐渐增多,但放在一个有着十三亿人口的大国来说,却还是太小众了。于是,普及交响乐工作在文化事业中显得尤为重要。
       我国音乐心理学专家、中央音乐学院教授周海宏致力于经典音乐普及教育工作近十年,提出了“音乐何需‘懂’”,呼吁重建音乐审美基本观念。他从音响的本质属性入手,分析出音响的两个特点:第一,不具有空间造型性;第二,不具有语义符号性。也就是说,只依赖于听觉的音乐音响,不能明确表达视觉性或者概念性的内容。如果我们带着“懂”或“不懂”的想法来欣赏音乐,就是走进了误区。非要用视觉性、概念性的内容来“解读”音乐,就是抛弃了音乐本身的属性,音乐被创作出来,是为了获得听觉的愉悦和感性的审美体验,而非理性的认知。在很多时候,听众在音乐中无法听出所谓“内容”,于是就会认为自己是不懂音乐的,觉得音乐太深奥,这种思维上的误区就把广大音乐爱好者挡在了门外。

                                      

                                  

       因此,周海宏教授振聋发聩地提出“要想普及古典音乐、‘严肃音乐’,就必须打破‘概念化’、‘视觉化’的音乐审美方式,必须走出用‘文学性’、‘美术性’内容解释音乐的误区。”他满怀激情,并语重心长地指出:“音乐是人类最自由、最能够直接唤起情感体验的艺术,它让我们激动、让我们兴奋、让我们伤感、让我们无言。还是让我们从听开始吧。”

                                               

       事实上,音乐审美的根本方式就是“听觉的享受”和“感性的体验”,不要因为观念的偏差而缺少对“听觉”的关注,而使许多人无法领略音乐真正的美。所以只要您喜欢古典音乐,愿意走进音乐厅,就请尽情感受聆听的乐趣,感受听觉世界里最美妙的体验。

                                               

       说到这里,小编还想补充一些听音乐会的礼节。在古代西方社会中,听音乐会是需要穿正装出席,现如今社会不断发展,环境要求变得更加自由,对于着装不再有严格的设定。比如,每年夏季举行的柏林音乐会,是在柏林西郊外的一个森林剧场举行的露天音乐会,人们带着毛毯、野餐盒,或躺或坐地在剧场中。当然,在音乐厅里举行的音乐会,即使不必“西装革履”,却也该“正襟危坐”,不能随意走动、说话,或吃东西,手机也应该保持静音状态,因为这是对台上演员们最起码的尊重。而最重要也是现在普遍观众需要知道的音乐会礼节就是该如何在适当的时间鼓掌。

                                                

       音乐会的演出内容相比歌舞、小品等其他表演形式,有它的特殊之处。当一位歌手将歌声演唱得无比高亢,达到情绪高点的时刻,观众会情不自禁地响起热烈的掌声,这样的掌声出现得越多,说明演出越成功。而交响音乐会不是这样,不是用掌声的频繁来说明演出的好坏。首先,交响乐段落往往时间较长,一首乐曲起码有五分钟,甚至五十分钟以上。其次,交响乐的内容很抽象,情绪表达十分丰富,观众们对乐曲的感受因人而异,因此绝不可能在某一个乐曲中间的时刻里产生鼓掌的冲动,即使有这种欲望也要留在心里,一直到乐曲最后,结束时再鼓掌。最后,也是最重要的一点,古典交响曲往往不止一个独立的段落,一般是由四个乐章构成一部完整的交响曲,有的交响曲包含五个或六个乐章,它就像小说的章节一样,虽然每一章在结构上是完整的,但其实乐章之间有着内在的联系,在作曲家内心,一个乐章的结束,只是短暂的停顿,乐思并没有停止。
       演奏交响曲时,指挥与演奏者们的情绪仍然沉浸在乐曲当中,直到最后一个乐章结束,乐曲才是真正的停止。观众们如果在乐章之间鼓掌就会破坏了这首乐曲的气氛,打扰舞台上演奏者的情绪而影响演出质量。所以,在欣赏多乐章的交响曲时,一定要把掌声留到最后一个乐章结束,这样积累到最后的掌声才是最持久、最珍贵的。观众们如果可以安静地聆听,并在适合时刻鼓掌就可以提供给台上的演奏者最大地空间去发挥,将最好的状态和水准回馈给台下的观众。

                                                              

       其实,交响乐离我们的生活并不远,只要有一颗热爱音乐的心,带上耳朵和一份轻松的心情,人人都可以走进音乐厅去欣赏交响乐,感受这种抽象的、神秘的艺术带来的美的享受!

                                    

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